Siempre es enriquecedor y alentador conocer a una persona que vive fuera de los márgenes de lo ordinario. Este es el caso de la fotógrafa Alicia Ahumada, con quien gracias al Festival Fotográfico Fotoensayo pude convivir, y al mismo tiempo verla trabajar, durante un fin de semana en su laboratorio fotográfico.

Este encuentro resultó significativo no solamente por conocer a quien fuera impresora de Mariana Yampolsky durante 20 años, resultó significativo también porque en los tiempos actuales, donde todo en el ámbito de la fotografía gira en torno a los avances tecnológicos, a la resolución de las cámaras, a la manera en que se deben almacenar y respaldar los archivos digitales, y sobre todo a las nuevas formas de impresión fotográfica, es necesario entender que el cambio de analógico a digital va más allá solamente del gusto personal.

Y digo que va más allá del gusto de cada fotógrafo utilizar una cámara digital o una cámara analógica, porque estamos supeditados a lo que sí se vende, a lo que ofrece el mercado. Por ejemplo, ya no se encuentra papel de fibra en el mercado mexicano, así como tampoco se encuentra fácilmente película o químicos para procesar negativos, ni papel, sin importar si el trabajo es en color o en blanco y negro.

Alicia Ahumada, al darnos la bienvenida a su casa (lugar donde tiene su laboratorio fotográfico), nos preguntó a los más de diez fotógrafos presentes el tiempo que teníamos sin revelar nuestros propios negativos o imprimir nuestras propias fotografías por un proceso tradicional y a excepción de una chica que aún lleva clases de foto en la universidad, el resto teníamos al menos un par de años sin hacerlo (en mi caso eran prácticamente 6 años que no lo hacía). Lo que más me llamó la atención en ese momento fue descubrir que ella misma tenía cerca de medio año de haber hecho una impresión (de Yampolsky, por supuesto).

A pesar de que nunca fui fan del cuarto oscuro, tengo que reconocer que conseguir unas impresiones perfectas es algo que muy pocos pueden realizar, se requiere, además de paciencia, un talento natural. Pero me asalta una duda luego de ver a Alicia trabajar: ¿Qué diferencia existe entre una imagen mejorada en la ampliadora y una imagen mejorada en el Photoshop? Es obvio que existen diferencias muy notables, pero en esencia se trata de lo mismo: intervenir la toma original para obtener un mejor resultado en la impresión.

En el método tradicional se corrigen el contraste, las altas luces y las sombras muy profundas para dar un tono homogéneo, más equilibrado; a través de la computadora (o el ordenador, como la llamarían los españoles) se realizan las mismas operaciones. Aunque no es a oscuras y con una muy tenue luz roja, sino frente a un monitor que ofrece una gama cromática muchos más amplia que cualquier tipo de impresión.

Sin lugar a dudas Ahumada es una mujer consciente de que las condiciones han cambiado, no existen los recursos naturales que sí había hace algunos años, el trabajo analógico está desfasado en el aspecto ambiental, los residuos del proceso químico son muy contaminantes y consumen grandes cantidades de agua limpia. Esto la ha llevado a cambiar su forma de trabajar.

Al mostrarnos un conjunto de libros de artista, en los que acumula el resultado de la investigación fotográfica sobre medicina tradicional que lleva a cabo con la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte, los presentes pudimos observar la manera en que desarrolla un proyecto personal, utilizando película blanco y negro e imprimiendo por medio de un proceso digital.

El laboratorio fotográfico que conocimos quienes nacimos hasta finales del siglo XX está en peligro de extinción y en muy poco tiempo podrá conocerse solamente en museos o libros de historia, debido a que el medio cambia y evoluciona a la menor provocación del mercado internacional.

Para Ulises Castellanos, en su libro Manual de Fotoperiodismo, esta práctica fotográfica es lo que se conoce como fotografía de prensa, con lo que estoy totalmente de acuerdo. Pero en lo que no coincido es en supeditar a ella la fotografía documental, ubicándola en el mismo nivel que a los subgéneros que propone como: fotonoticia, fotografía de entrevista, fotografía deportiva, fotografía de nota roja y el popular fotorreportaje. Esta situación me hace sentir como Condorito cuando no entiende el chiste y dice: Exijo una explicación.

A pesar de que concuerdo con Castellanos en cuanto a que “El documental se construye con información a profundidad”, difiero en que sea la versión más pulida del periodismo fotográfico. Entenderlo así, sería como poner en el mismo lugar a un reportaje sobre la vida de una comunidad mestiza, por muy bien escrito que esté, y a un ensayo que parte de una investigación antropológica sobre el mestizaje en el centro de México. ¿Cómo reaccionarían Alec Soth o Martin Parr si les dijeran que hacen foto de prensa?

Me parece más acertada la definición que hace Margarita Ledo, en su libro Documentalismo Fotográfico, donde señala que en la fotografía documental coinciden características de dos modalidades: periodística tradicional y documentación social, con rasgos de foto-creación. ¿Foto-creación? Sí. Y me identifico más con esta perspectiva precisamente por eso, porque creo que un fotógrafo documental, además de poseer una preocupación de carácter social, es un creador.

Pero, ¿qué es un creador? De acuerdo con la vigésimo segunda edición del Diccionario de la Lengua Española es alguien que crea. Pero, ¿qué es crear? Pues, siguiendo con la misma fuente, es establecer, fundar, introducir por vez primera algo; hacerlo nacer o darle vida. Con esto no quiero decir que se deben generar de la nada o inventar los acontecimientos, eso es otra cosa, sino que lo que quiero dejar claro es que el fotodocumentalista antes que nada es una persona que analiza los patrones de conducta y problemas que atraviesa un individuo, grupo o población; y que se convierte en autor cuando propone su forma de ver el mundo.

No quiero decir que la fotografía documental es superior al fotoperiodismo, no. Lo que digo es que son dos géneros fotográfico distintos, tanto en la forma como en el fondo. ¿Por qué en la forma? Porque nunca darán el mismo resultado un trabajo que depende de la inmediatez de los medios de comunicación y de la ligereza de un equipo fotográfico que se pueda cargar con facilidad, que otro trabajo que depende solamente de la paciencia y satisfacción del propio autor para resolver estéticamente las imágenes, además de contar con la libertad de emplear cámaras de cualquier formato. ¿Por qué en el fondo? Porque un fotoperiodista tiene la responsabilidad de informar sobre las cosas que pasan y un fotógrafo documental tiene la responsabilidad de interpretarlas. En conclusión: no es lo mismo la agencia Reuters que la agencia Magnum.

Realizar un proyecto siempre presenta retos que no estaban previstos, por lo que es necesario, para conseguir satisfactoriamente el objetivo, saber prevenir o resolver las circunstancias que se vayan presentando; en este sentido, la fotografía documental no es la excepción. Me explico:

Cuando propuse al FONCA el proyecto “Vestigios del Ahora”, sobre la industria textil del estado de Tlaxcala, pensé tener muy claros los aspectos que darían forma a ese ensayo fotográfico, y por aspectos me refiero a la manera en que estaría dividido el proyecto, es decir, por un lado las personas involucradas en este sector y por el otro, la infraestructura de esta industria.

Así pues, haría retrato de trabajadores en activo, jubilados y desempleados que a través de un trabajo final de edición, se mezclarían con las imágenes de las fábricas que aún operan y las que ahora se utilizan con fines distintos a la producción textil.

Hasta ahí, yo pensaba tener todo bajo control, pero ¿qué fue lo que pasó al poner en marcha el proyecto?

La primer dificultad con que me enfrenté no fue solamente tener acceso a las empresas sino tener acceso al dueño, jefe de planta o supervisor de turno para poder presentar el proyecto. El segundo problema que se presentó ya fue en el terreno fotográfico, debido a que no estaban bien resueltos  los retratos, por el tipo de lente utilizado y por el tipo de luz que estos tenían. Un tercer aspecto que se tuvo que analizar fue el hecho de que las fotos de la infraestructura y maquinaria de las empresas resultaban demasiado estáticas, huecas, no funcionaban.

Con el paso de las semanas las dificultades aquí enunciadas se fueron diluyendo, tomé las cosas con más calma y menos ansiedad, lo que permitió que poco a poco se abrieran las posibilidades de ingresar a las empresas. En cuanto a la manera de resolver los retratos, me puse a analizar el trabajo de muchos autores que, a lo largo de la historia de la fotografía, lo han trabajado, no con el fin de emular a alguno de ellos sino de entender el momento en que se deja atrás la fotografía etnográfica y se convierte en fotografía de autor. En lo que respecta a las imágenes de la infraestructura y maquinaria que integran esta industria, decidí que era necesario mostrar a los empleados en estos escenarios de trabajo.

El punto de quiebre de este proyecto se dio al resolver los problemas antes enunciados.

Comencé pues, a no estar pensando en hacer el proyecto tal como había sido presentado al FONCA, me liberé de una extraña presión psicológica que tenía instalada y me pude ver más allá de lo evidente es decir, comencé a visitar las fabricas sin la idea acartonada de estar seguro de algo, así que empecé a resolver las fotografías con la única idea de no repetir vicios propios o ajenos.

La ubicación geográfica del proyecto no cambió, solamente se amplió, en un principio se ubicaba solamente en el estado de Tlaxcala; ahora abarca también Puebla.

Esta ha sido una experiencia muy enriquecedora a nivel intrapersonal, debido a que me ayudó a cambiar la manera que tenía de ver, pensar y hacer fotografía, pero sobre todo, me ayudó a entender que lo más valioso de la industria textil es el esfuerzo que realiza la clase trabajadora todos los días para mantener una vida de honestidad y trabajo; honestidad que en estos tiempos que corren cada vez es más escasa y menos reconocida.

Sobre el rechazo

Cuando envié mi primer proyecto para participar en una convocatoria donde te van a dar dinero para poder “hacer lo que te gusta”, es excitante, esperas los resultados con ansiedad porque estás seguro de que el trabajo que enviaste es de lo mejor, que a nadie se le ha ocurrido una propuesta tan genial como la tuya y que va totalmente de acuerdo con “lo que se hace ahora” en esa disciplina artística.

Cuando llegan los resultados, y no estás entre los elegidos, ves a los seleccionados o ganadores y piensas que la vida es injusta, que seguramente los escogieron porque son amigos o parientes del jurado o de cualquier funcionario cultural que se nos antoje. Además de que ninguno tiene el talento que tú tienes ni está desarrollando una propuesta tan grandiosa como la tuya. Gran error, como todo en el ser humano, siempre tratamos de encontrar un culpable de nuestra desgracia, menos nosotros.

Una vez superado el trauma que representa estar sin beca, pero sobre todo sin dinero, llega un momento de reflexión donde te cuestionas si de verdad lo que entregaste era realmente bueno. Lo observas, lo vuelves a leer y te das cuenta que sí tiene bastantes deficiencias; pero sobre todo, algo que me ha servido, es tratar de entender qué es lo que hubiera hecho yo, de haber estado en el lugar del jurado.

Sobre el jurado

El tres ocasiones me ha tocado ser jurado de concursos fotográficos, lo que me ha permitido valorar el trabajo que realizan quienes juzgan los proyectos artísticos y que, independientemente de preferencias personales, existe una convocatoria a la que se debe de respetar.

Uno de estos certámenes que me tocó dictaminar, tenía por objetivo encontrar, dentro de un cúmulo de participantes de toda la entidad, la fotografía que mejor presentara a una familia tlaxcalteca. Para este caso el valor estético de la imagen quedaba supeditado al valor emocional, pues los participantes eran niños, además de que habían escrito una carta para explicar la foto enviada. Recuerdo que había una polaroid que destacaba dentro de las demás fotografías, por los colores, la iluminación y los personajes que estaban retratados, pero era imposible declararla ganadora porque el texto que la acompañaba no aportaba ninguna información que sirviera para contextualizarla. Los integrantes del jurado determinamos darle el primer lugar, en base a la convocatoria, a la carta que mejor explicaba el contenido de la foto.

En otra ocasión me tocó calificar las fotografías de un concurso de costumbres y tradiciones de un municipio. En este caso la decisión era más libre, gracias a que dependía única y exclusivamente del gusto del jurado, lo que en apariencia hacía más fácil el trabajo. Sin embargo, representó un verdadero problema seleccionar tres primeros lugares dentro de un conjunto de imágenes muy deficientes, tanto en contenido como en resolución espacial, además de lo mal impresas y montadas que estaban todas las gráficas. Para este caso se le otorgó el primer lugar a la imagen que desde un principio destacaba entre las demás, aunque era un tema bastante visto, los otros lugares se eligieron más que por su estética, por su contenido antropológico.

Para una tercera vez el trabajo del jurado estuvo mejor porque los integrantes de éste éramos todos fotógrafos con tendencia documental y el tema eran los derechos humanos. Puedo decir que ese concurso, de los que he dictaminado, es el que presentó una mayor calidad por parte de los participantes, ya que además de los aficionados participaron un gran número de profesionales. Había retratos muy bien hechos, que reflejaban una experiencia de vida en el rostro del fotografiado, pero que no necesariamente hablaba de derechos humanos. Aspecto que si reflejaba otra fotografía de unos niños trabajando como albañiles en la capital del estado. A pesar de que la imagen tenía poco cuidado en la luz y en la composición, el contenido mostraba claramente una necesidad de reforzar una política de derechos humanos, motivo por el cual de manera unánime los jurados decidimos declararla ganadora.

A partir de estas experiencias, es que he comprendido mejor el papel de los jurados y los factores a los que se enfrentan para poder elegir a los ganadores, ahora sé que cuando mandas un proyecto o fotografía a concurso debes, primero, cumplir con la convocatoria al pie de la letra y, después, estar seguro de que la calidad de tu trabajo es la mejor o, al menos, la mejor que puedes ofrecer.

Sobre la aceptación

Cuando recibí el anunció de haber ganado, por primera ocasión, una beca me sentí muy feliz y al mismo tiempo preocupado. La felicidad se debía específicamente a dos factores: el reconocimiento al trabajo previo y el dinero para poder producir; por otro lado, la preocupación tenía solamente un motivo: cumplir con los objetivos del proyecto.

Han pasado algunos años desde que obtuve mi primer beca como joven creador, pero la emoción de recibir la noticia se haber sido seleccionado no ha cambiado, sigo estando feliz y preocupado cada vez que sucede.

Todo esto es para concluir que por muy criticados que sean los resultados de las convocatorias institucionales, si alguien tiene el potencial de convertirse en escritor, pintor, escultor, cineasta o fotógrafo, puede hacerlo de una mejor manera si trabaja y se esfuerza por ir consiguiendo buenos resultados en los canales establecidos por el Estado para promover las artes.

Para estar “al día” de lo que pasa en el mundo de la photo, es necesario renovar constantemente el equipo fotográfico y el equipo de computo, si es que acaso no son ya lo mismo. Esta situación en realidad no es nada nuevo, basta dar un breve vistazo a la historia de la fotografía para darse cuenta que no ha dejado de evolucionar en ninguno de estos dos aspectos. Pero ¿cuál es la ventaja que tienen ahora los fotografos que viven fuera de los nichos del stablishment fotográfico y que en ninguna otra época habían tenido?

Los medios electrónicos.

Si bien es cierto que existen y se mantienen los sitios geográficos que de manera tradicional controlan la fotografía en todos sus niveles (regional, nacional, continental o mundial) y variantes (publicidad, moda o arte), los fotógrafos que se encuentran distantes de estos centros de poder, actualmente pueden darse a conocer por medio de internet y, de igual forma, conocer el trabajo de colegas que habitan en lugares tan diversos y lejanos como El Congo, Brasil, Ucrania o Canada.

Este siglo apenas comienza y su historia está por escribirse, el fin del dominio cultural se ve cada vez más cerca.